La exposición Hurrengo Geltokia: Amara Easo, impulsada por el Departamento de Vivienda y Agenda Urbana del Gobierno Vasco y organizada por el Instituto de Arquitectura de Euskadi dentro del programa OFF Mugak, podrá visitarse a partir del jueves 20 de noviembre y hasta el 11 de enero en el claustro de la sede del Instituto de Arquitectura de Euskadi.

La muestra, que abrió sus puertas el pasado 15 de octubre en en el edificio del antiguo parque de Bomberos de San Sebastián, acogió hasta el 16 de noviembre a más de 3.000 personas que han podido acudir a este espacio de encuentro, reflexión y diálogo abierto sobre cómo será el nuevo barrio que conectará el Ensanche romántico de San Sebastián con el barrio de Amara, en el que está prevista la construcción de hasta 500 viviendas.

La exposición que podrá visitarse en el instituto presenta los tres proyectos premiados en el concurso público para la redacción de la modificación puntual del Plan General de Ordenación Urbana (PGOU) en el ámbito Playa de Vías, ubicado en el barrio de Amara, liderado por el Departamento de Vivienda y Agenda Urbana del Gobierno Vasco en colaboración con el Ayuntamiento de Donostia/San Sebastián. 

Tres visiones para un mismo reto urbano

La muestra reúne los tres  proyectos que han pasado a la segunda fase del concurso público para la redacción de la Modificación Puntual del Plan General de Ordenación Urbana (PGOU) en el ámbito Playa de Vías – Amara-Easo. Recoge los proyectos que pasan a la segunda fase del concurso: Habitar el bosque urbano”, de JPAM City Makers  (Amado Martín, Jorge Perea y Samuel Llovet); “Kalerik kale plazarik plaza”, de RAZ y Usandizaga (Gilen Txintxurreta, Jacek Markusiewicz, Ander Gortazar e Ibai Usandizaga ) y “Hari berdez hiria josi”, del estudio beldarrain.  Asimismo, se pueden conocer las propuestas que fueron reconocidas con el cuarto y quinto premio: “Que los árboles nos dejen ver el bosque”, de Acha Zaballa Arquitectos y Lotzenari”, de KREAN Ingeniería y Arquitectura. 

Hurrengo Geltokia: Amara – Easo  propone un recorrido que combina maquetas, planos, paneles y realidad virtual para que la ciudadanía pueda imaginar cómo será el nuevo barrio. El proceso participativo de escucha y diálogo en el que se recogen inquietudes, ideas y sugerencias sobre los equipamientos, espacios y usos que debería incluir esta nueva zona sigue en marcha con el traslado de Hurrengo Geltokia: Amara Easo al claustro del Instituto de Arquitectura de Euskadi.

Aportaciones de la ciudadanía

Así la exposición seguirá siendo una herramienta viva para tejer ciudad y comunidad, permitiendo que las aportaciones de la ciudadanía formen parte de la propuesta final. Un proceso colectivo que busca que la nueva Amara-Easo refleje la diversidad, las necesidades y las aspiraciones de quienes la habitan, construyendo entre todos una Donostia más conectada, habitable y compartida.

Las aportaciones que continúe realizando la ciudadanía serán analizadas, y en la segunda fase del concurso se valorará la capacidad de los equipos finalistas para incorporar dichas sugerencias en sus propuestas. De este modo, el proceso participativo se convierte en una herramienta esencial para garantizar que la transformación urbana de Amara-Easo responda a las necesidades reales de las personas y siente las bases de un modelo de ciudad más integrado, habitable y sostenible.

El proceso seguirá estando disponible en la página web de la Bienal Mugak/ (https://www.bienalmugak.eus/eu/playas-vias ) que permitirá seguir recoginendo valoraciones, inquietudes y sugerencias relativas a las dotaciones del proyecto, con el fin de incorporarlas en la futura propuesta final.

Instalada en el vestíbulo del Instituto de Arquitectura de Euskadi, la exposición muestra el trabajo de las cinco candidaturas finalistas de la quinta edición del Premio Peña Ganchegui a la Joven Arquitectura Vasca, presentadas por: el estudio AMA, XABIER ARTOLA, SARA ENRÍQUEZ (del estudio Lokuluxka), BORJA MARTÍNEZ (del estudio Interplay), y MIKEL ORTÍZ DE ERIBE (del estudio Eitzen).

El fallo del jurado, compuesto por Ángel Martínez García-Posada, Begoña Fernández-Shaw y Carme Pinós, se dará a conocer el mismo día de la inauguración de la exposición, en una gala que tendrá lugar en el propio Instituto de Arquitectura de Euskadi.

Creado en 2017, este galardón bienal está dirigido a los arquitectos con menos de diez años de experiencia que se hayan formado o desarrollen su labor profesional en la Comunidad Autónoma del País Vasco.

El premio se otorga con la intención de reconocer una joven trayectoria arquitectónica e impulsar una carrera con proyección emergente, dando visibilidad a aquellas aportaciones que, además de suponer una práctica profesional ejemplar, contribuyan a promover, desarrollar y consolidar la cultura arquitectónica. No se otorga, por tanto, a una obra o trabajo concreto, sino a un conjunto de trabajos, de índole diversa.

Acogemos la exposición central de esta quinta edición de la Bienal Internacional de Arquitectura de Euskadi Mugak/ , impulsada por el Departamento de Vivienda y Agenda Urbana del Gobierno Vasco, “Eu-topías, Ou-topias”  que se podrá visitar hasta el 22 de febrero.

Se trata de una muestra coral donde, a través de piezas que representan proyectos de reconocidas figuras de la arquitectura y las artes, se invita a reflexionar sobre el lema de esta edición de la bienal, ‘Castillos en el aire, o cómo construir la utopía hoy’.

 

A lo largo de las tres salas del Instituto de Arquitectura de Euskadi se despliegan representaciones de propuestas creadas por Constant Nieuwenhuys, Sir Peter Cook, Rem Koolhaas, David Brown, John Porral, Lugadero, Richard Sennet, Txuspo Poyo, Juno Calypso, Aristide Antonas y la catedrática Lesley Lokko OBE.  Todos ellos muestran una serie de proyectos utópicos y distopías, pero también utopías que imaginan futuros posibles.

Primera sala: la utopía como evasión

En palabras de la comisaria de  Mugak/ 2025 María Arana,  «esta no es una exposición documental, no es un archivo que recorre la historia de las utopías. Es un espacio para reflexionar sobre el poder creativo de la utopía, su naturaleza elusiva o de escape, pero también su capacidad regenerativa y reconstructiva. Una propuesta que muestra el potencial y la fuerza evocadora y transformadora de la pulsión creativa, pero también advierte sobre el peligro que supone hacer realidad estas ideas”.

El público se encontrará con tres espacios. El primero, dedicado a las utopías de evasión, lo recibirá con el proyecto utópico ‘New Babylon’ que el artista holandés Constant Nieuwenhuys desarrolló entre 1956 y 1974. Más que una ciudad real, se trataba de una visión artística y teórica de una sociedad liberada del trabajo productivo gracias a la automatización, en la que los individuos pudieran dedicar su vida al juego, la creatividad y la experimentación. Hoy en día, esta propuesta funciona como una crítica a la estandarización global de las ciudades, la mercantilización del ocio o la obsesión con la productividad, y conecta con realidades como el trabajo digital o crisis como la climática y la migratoria.

El reconocido arquitecto inglés Sir Peter Cook suma a esta sala ‘Plug-in city’ y ‘Filter City’, proyectos que exploran la ciudad como una máquina lúdica, donde la intervención humana es libre y creativa. ‘Plug-in City’, creada en los años 60, imaginaba una megaestructura tecnológica donde las unidades habitacionales podían conectarse, reemplazarse o actualizarse libremente, combinando vida nómada y comunitaria. ‘Filter City’, presentada en 2020, retomó esa idea de flexibilidad, pero la adaptó a un contexto contemporáneo, integrando vegetación y paisajes con la arquitectura, generando espacios permeables, lúdicos y orgánicos.  

Otro arquitecto de renombre que se suma a la exposición es Rem Koolhaas, con ‘Exodus’ e ‘Hiperbuilding’. El primero, desarrollado en 1972, marcó la entrada de Koolhaas en la escena internacional: imagina una franja amurallada en el centro de Londres, una “zona de excelencia arquitectónica” aislada del resto de la ciudad. Esta distopía irónica critica la ingenuidad utópica de los años 60 y evidencia el poder ambivalente de la arquitectura para organizar la vida social, la diversidad y los contrastes. Por su parte, Hiperbuilding (1996) lleva esta idea al extremo: diseñada por OMA junto al estudio Yasuda para Bangkok, plantea una mega infraestructura vertical capaz de alojar hasta medio millón de personas. Koolhaas lo define como un “anti-rascacielos”, una infraestructura que integra vivienda, trabajo, educación, salud, comercio y cultura.

Segunda sala: utopías regenerativas y decoloniales

Al entrar en la segunda sala, una serie de publicaciones colgantes recibe al visitante. Se trata de una selección de la comisaria y distintas editoriales y autores invitados. Todas ellas representan el carácter literario de las primeras utopías y la emergencia de la literatura utópica a lo largo de los siglos.

A continuación, siguen proyectos que funcionan a modo de cartografías experimentales para futuros posibles. La primera pieza representa ‘The Available City’ (‘la ciudad disponible’) del arquitecto y urbanista David Brown, que fue director artístico de la cuarta Bienal de Arquitectura de Chicago. Su propuesta es una intervención urbana basada en aprovechar los 13.000 solares vacíos de la ciudad norteamericana. Lo plantea como un sistema urbano interconectado, en lugar de tratarlos como lotes aislados, e invita a la participación ciudadana en la definición y materialización de estos nuevos espacios.

Le sigue African Futures Institute, fundado en 2021 por la catedrática Lesley Lokkoen Acra, Ghana. La exposición representa su nuevo modelo de enseñanza de la arquitectura y el entorno construido. Una de sus misiones es combinar espacios físicos y digitales para situar a África en el centro de un diálogo global, inclusivo y diverso sobre los desafíos contemporáneos más urgentes. Con presencia móvil por todo el continente, se consolida como plataforma para imaginar futuros africanos, poniendo en el centro la descolonización, la justicia social, las migraciones y la sostenibilidad, entendiendo la arquitectura como un instrumento para construir sociedades más justas y regenerativas.

Una sala anexa contiene TOP(IA)S. En este espacio, la utopía no es un refugio escapista, sino un campo de experimentación que conecta la especulación estética con las urgencias sociales y ambientales de nuestro tiempo. Reúne dos propuestas que dialogan desde perspectivas complementarias: ‘The Bedroom Script’, del arquitecto y programador madrileño John Porral, explora cómo la IA puede construir guiones espaciales íntimos, donde la habitación se transforma en un escenario mutable, sensible a las emociones y a las interacciones de sus habitantes. El segundo proyecto, ‘We Make Cities’ de la oficina transdisciplinar sevillana Lugadero, presenta una instalación de imágenes de futuro sobre las tres capitales vascas, fruto de tres talleres colaborativos con la Escuela de Arquitectura de San Sebastián, el Centro Superior de Arte y Diseño IDarte de Vitoria-Gasteiz y el IED Kunsthal de Bilbao. El proyecto se completa con la proyección de una entrevista al sociólogo Richard Sennett realizada para esta Bienal.

Tercera sala: un claustro de distopías

La zona superior del claustro del Instituto de Arquitectura de Euskadi acoge las últimas piezas, en una sala dedicada a ‘La distopía en la era de la hostilidad’. Estos proyectos muestran cómo las utopías arquitectónicas y políticas del siglo XX han ido transformándose con el tiempo en paisajes con un toque distópico.

El primero es U.N(INVERSE), del artista navarro Txuspo Poyo. Explora la relación entre arquitectura moderna, cine y poder político, tomando como punto de partida la sede de las Naciones Unidas en Nueva York. La obra cuestiona de manera poética los ideales de fraternidad universal y transparencia institucional, mostrando las tensiones y fragilidades de ese imaginario sin recurrir a una representación literal. Incluye una animación 3D de 19 minutos donde las imágenes arquitectónicas se recombinan y dislocan. 

La fotógrafa y artista visual londinense Juno Calypso aporta ‘What to do with a Million Years’, un proyecto fotográfico en una vivienda subterránea de lujo. Fue construida en los años 60 en las afueras de Las Vegas por el fundador de Avon Cosmetics, como refugio ante una posible guerra nuclear. La casa, de 1.500 m² y a ocho metros bajo tierra, contaba con sistemas para simular ciclos de luz y lujosos interiores con piscinas, jacuzzis, murales pintados a mano y decoración de cristal y oro. El fundador de Avon vivió allí con su esposa hasta los años 80, y desde entonces permanece intacta. La obra consiste en autorretratos de la artista en distintas estancias, y funciona como un recorrido visual por un bello refugio que dialoga con el imaginario distópico y la arquitectura defensiva de la Guerra Fría, cuando el miedo nuclear impulsó construcciones ocultas y autosuficientes.

Por último, del claustro colgarán las ‘Tiendas Invertidas’ del arquitecto griego Aristide Antomas, un experimento que replantea cómo vivir en ciudades en crisis. Consiste en tiendas de campaña colgadas del techo en edificios abandonados, liberando el suelo para actividades colectivas como debates, juegos o encuentros comunitarios. Inspiradas en la Nakagin Capsule Tower, estas unidades no buscan autonomía individual, sino fomentar la convivencia y aprovechar infraestructuras existentes. 

En este enlace se puede encontrar el dossier de prensa completo de la exposición.

   

La exposición central de esta cuarta edición de la Bienal Internacional de Arquitectura de Euskadi Mugak/, ubicada en el Instituto de Arquitectura de Euskadi, y bajo el título ‘Habitar el cambio’, presenta un diálogo colectivo entre reconocidas figuras del mundo de la arquitectura y las artes, que han sumado sus piezas originales, proyectos y representaciones de sus prácticas a la muestra. Estará abierta al público hasta el 25 de febrero de 2024.

Organizada desde 2017 por el Departamento de Planificación Territorial, Vivienda y Transportes del Gobierno Vasco, Mugak/ llega a esta cuarta edición como la principal cita arquitectónica del Arco Atlántico y aspira a seguir creciendo respecto a su edición anterior, que reunió a más de 70.000 asistentes a lo largo de un mes entero de arquitectura.

 

Una exposición para la reflexión

‘Habitar el cambio’ está basada en los tres conceptos del lema de este año: ‘reconstruir, rehabitar, repensar’. “Vivimos tiempos convulsos, de crisis ecológica, sanitaria, económica y social. Tiempos de grandes retos para los que necesitamos soluciones urgentes, imaginativas y transformadoras. Tiempos en los que urge repensar cómo habitamos el mundo y cómo viviremos en él en un futuro próximo. Desde una mirada crítica y desprejuiciada, esta exposición invita a una reflexión basada en la relación etimológica entre las palabras ‘construir’, ‘habitar’ y ‘pensar’ a la que Heidegger hizo referencia en 1951, en una Europa devastada por la Segunda Guerra Mundial”, según la comisaria, María Arana.

Para ello, la Bienal ha invitado a exponer a reconocidos nombres como la investigadora Beatriz Colomina, el estudio amid.cero9 o el artista Isaac Cordal. Todos ellos han aportado sus proyectos y obras a ‘Habitar el cambio’, que reparte esta reflexión en las tres salas expositivas del Instituto de Arquitectura de Euskadi, en San Sebastián. Allí comienzan un diálogo que se trasladará también a Vitoria-Gasteiz y Bilbao, con las conferencias que los y las diferentes participantes ofrecerán desde el 26 de octubre hasta el 24 de noviembre en las tres capitales.

 

Tres salas, tres conceptos

La primera sala, ‘Reconstruir’, propone reflexionar sobre el propio papel de la arquitectura y su impacto en el planeta; sobre ideas como que el 40 % de las emisiones globales de CO2 las emiten los edificios, o sobre la destrucción de sus principios fundamentales y sociales. También habla de reconstruir la propia arquitectura y de crear nuevas formas de entenderla y vivirla en este contexto de incertidumbre económica y social.

Preside la sala ‘Follow the leaders’ (2009), instalación que el artista gallego Isaac Cordal ya ha llevado las calles de ciudades como Bruselas, Milán, Londres o Berlín. Está compuesta por piezas en forma de pequeños hombres de negocios en traje, rodeados de escenarios urbanos en decadencia que invitan a la crítica sobre la inercia de la masa social, un comentario sobre una civilización de urbanismo gris, con tonos desde irónicos hasta desoladores. Induce la reflexión en torno a la deshumanización contemporánea de nuestras civilizaciones.

Le acompaña una representación del Museo Histórico de Ningbo (2008), de Amateur Architecture Studio, a través de materiales originales e imágenes. El edificio defiende la firme creencia de Wang Shu y Lu Wenyu de cuidar la tradición frente a la rápida destrucción y el imparable crecimiento de las ciudades de su país: la fachada del edificio está creada a partir de escombros generados en los procesos de demolición producidos en el mismo lugar donde ahora se erige, ya que, según el estudio, “no podemos destruir la historia”. Se exponen cuatro muestras de la propia fachada, donde se detalla el sistema constructivo tan complejo y artesanal que propuso el estudio. Además, se pueden encontrar fotografías de gran escala.

La última pieza de esta sala es ‘Gran Vía Toxic’ (2008-09), del reconocido estudio madrileño amid.cero9. Se trata de un proyecto desarrollado con ocasión del centenario de la construcción de la Gran Vía de Madrid que la muestra desde el prisma de la destrucción. Reflexiona sobre el impacto de los modelos urbanos y presenta la demolición como un proceso inverso, como una secuencia de acciones que puede plantearse y organizarse de forma innovadora para ofrecer una alternativa de construcción de ciudad. Se expone la maqueta de una máquina destructora, acompañada de infografías en gran tamaño, además de una planta de la propia Gran Vía y otros materiales visuales.

El segundo capítulo de esta exposición es ‘rehabitar’. La segunda sala expositiva del Instituto de Arquitectura de Euskadi acoge diferentes proyectos y arquitecturas ‘low-tech’ que consiguen nuevas formas de mediación espacial y social. Expone la importancia de utilizar el diseño como tecnología para mejorar el hábitat y crear hogar, abordando la idea de que, junto a la investigación y la sensibilización, se trata de herramientas que permiten apreciar, poner en valor o recuperar la capacidad protectora y constructora de vida de la arquitectura.

En este espacio se reunirán las obras de cuatro profesionales y estudios de arquitectura. Uno de ellos es Acha Zaballa Arquitectos con ‘Loft Study House’ (2018), un proyecto que plantea cómo generar espacios de dignidad habitacional transformando locales comerciales vacíos en viviendas sociales a través del diseño. El estudio ha estado detrás de la reforma de tres viviendas sociales en Santutxu y Mina del Morro (Bilbao), que se muestran a través de tres estanterías de diferentes tamaños y colores con objetos y fotografías para recrear la domesticidad del local rehabitado.

La exposición incluye también ‘La casa del día después’ (2021), una reforma realizada por el estudio barcelonés TAKK en una vivienda de 110 m² en Madrid. Se repensó como una sucesión de espacios concéntricos para lograr el mínimo consumo energético: se construyó una caja interior de 60 m² perfectamente aislada (‘casa de invierno’) dejando los 50 m² restantes como una terraza interior (‘casa de verano’). El proyecto tiene singularidades como una única habitación “comunal” o la propuesta de los baños desde una visión lúdica, entendidos como espacios para ser usados, incluso, en multitud. Se representa en la sala a través de un tótem que evoca esas particiones interiores de la vivienda original, donde se proyectan imágenes de la misma.

La obra de Amateur Architecture Studio vuelve a estar presente en esta sala con Five Scattered Houses (2006). Wang Shu y Lu Wenyu reivindican la idea de vivienda tradicional china como eje principal para el desarrollo urbanístico de una zona en construcción en la ciudad de Ningbo. Desde el sur de China, este proyecto de cinco casas dispersas propone una innovadora traslación de una tipología de casa histórica a una serie de viviendas modernas para el centro de la ciudad. Se puede encontrar en ‘Habitar el cambio’ mediante maquetas suspendidas en el aire y algunas fotografías de las casas.

Por último, en la segunda sala se expone ‘Arquitectura de Apropiación’ (2019), proyecto impulsado por los y las investigadoras y arquitectas Marina Otero Verzier, Katía Truijen y René Boer. Plantea la okupación como práctica arquitectónica y se enfoca en el análisis de diversas arquitecturas okupadas en los Países Bajos a través de dibujos, entrevistas y material de archivo. Se representa mediante una pieza que escenifica los elementos mínimos que, según la ley vigente en los Países Bajos hasta 2010, eran necesarios para justificar que un espacio okupado estaba siendo habitado de forma continua (una cama, una silla y una mesa). El diseño gráfico y espacial ha sido desarrollado por María Mazzanti.  

La tercera y última sala expositiva se centra en el repensar, y reflexiona sobre la idea de revisitar la propia disciplina arquitectónica y su función pedagógica, su capacidad crítica y generadora de pensamiento. “La arquitectura tiene que habitar su propio cambio, por lo que este espacio de reflexión contiene proyectos que hablan sobre la necesidad de repensar una disciplina poliédrica, cuyas posibilidades pedagógicas nos invitan a imaginar otros mundos posibles”, afirma Arana.

Se encuentran en primer lugar dos piezas del doctor arquitecto José María Torres Nadal.  La primera de ellas, ‘Mochilas para llevar la arquitectura a cuestas’ tiene su origen en un encuentro celebrado en el mítico Arteleku en 1995, llamado ‘Pensar-Componer/Construir-Habitar’, guardando relación con el texto de Heidegger. Casi 30 años después, José María Torres Nadal expone varias de aquellas mochilas que contienen registros culturales, emocionales y afectivos. Una de ellas, ‘La palabra y la arquitectura’, da pie a la segunda pieza, ‘Arquitectura… a pesar de Delirio de Nueva York’, que revisita de forma crítica la portada del famoso ‘Delirious New York’ (Rem Koolhaas 1978), “el libro-biblia que ha instituido toda la práctica y la teoría de la arquitectura contemporánea”.

A continuación, se expone ‘Radical pedagogies’ (2013-2023), un proyecto de la reconocida Beatriz Colomina junto a Ignacio G. Galán, Evangelos Kotsioris y Anna Maria Meister. En las décadas de 1960 y 1970, la educación de la arquitectura se vio sacudida por una explosión de prácticas pedagógicas experimentales en todo el mundo, una revolución que se explora en este proyecto. Invita, además, a que el cuestionamiento de las jerarquías disciplinares heredadas vuelva a producirse en los espacios educativos en el contexto actual. Se materializa en forma de túnel temporal, construido con andamios, donde se muestran una serie de vídeos inéditos producidos para esta exposición.

La tercera aportación de Amateur Architecture Studio se llama ‘Construyendo con la naturaleza’ (2023) y proviene del curso del mismo nombre que se imparte desde hace 14 años en la Academia de las Artes de China. Aborda la revitalización cultural de la construcción arquitectónica en el país hoy en día y la combina con conceptos internacionales de desarrollo sostenible, para encontrar soluciones a la grave desconexión entre diseño y construcción que prevalece en la educación arquitectónica nacional. Se exponen ocho maquetas realizadas por el alumnado matriculado en 2019 en la carrera de Arquitectura de esta escuela.

Por último, cierra la exposición Wordling, que describe el método de trabajo de Cristina Díaz Moreno y Efrén García Grinda tanto en su trabajo académico como en amid.cero9. Worlding implica la definición de edificios o paisajes alternativos al modelo actual de explotación. Se desarrolla en el Instituto de Arquitectura de la Universidad de las Artes Aplicadas de Viena y se muestra como una estructura de madera con una serie de dibujos, plantas e infografías realizadas por el alumnado.

Con motivo de la Bienal Mugak/, desde el día 1 hasta el 24 de noviembre, el Instituto de Arquitectura de Euskadi abrirá de martes a domingo en horario de mañana y tarde (11h-14h y 17h-20h).

Finalizada la Segunda Guerra Mundial, Europa reconstruyó la industria gracias al valor añadido del diseño. La Hochschule für Gestaltung Ulm (1953–1968) contribuyó decisivamente a la formación del oficio de diseñador superando las teorías de las viejas escuelas de artes aplicadas y decorativas, creando una manera de proyectar y diseñar al alcance de amplios sectores de la sociedad occidental. Fue un referente para la reconstrucción, tanto para la arquitectura industrializada, como de la industria y economía alemana.

Junto a los departamentos de comunicación visual, diseño de producto, e información —expuestos en San Telmo Museoa—, la Escuela de Ulm estableció el Departamento de Arquitectura a partir del curso 1955–1956. En un intento por apartar cualquier tentación por la forma, pasó a denominarse Departamento de Construcción. Estudiaron la construcción industrializada, en donde los sistemas de agregación y conexión pasaron a ser elementos claves en la definición de esta manera de entender la arquitectura y el diseño.

(fotografia: Bernd Meurer & Herbert Ohl, ‹Sistema modular prefabricado en asentamiento urbano› 1961 © Ulmer Museum Hfg-Archiv)